CORAZÓN TAN BLANCO

 

AUTOR: Javier Marías

EDITORIAL: Debolsillo

PUBLICACIÓN: 06/10/2006

Corazón tan blanco es un título escogido de Macbeth, obra de Shakespeare. Hace referencia a Lady Macbeth cuando dice: «Mis manos son de tu color, pero me avergüenzo de llevar un corazón tan blanco».

Recién empezada la novela ya se crea el desconcierto con un suicidio inesperado, y como único dato, una mujer recién casada, y recién llegada de su viaje de novios. Y ahí queda todo, resumido en apenas unas páginas. Un acto cometido, supuse yo, por un sentimiento de culpa o un secreto guardado y revelado.

Lejos de parecer un caso a resolver, por eso de que ha muerto alguien, el libro resume con palabras sencillas algo de lo que no estamos libres: la curiosidad de conocer un pasado que nos escama, pero tambien de contarlo porque ayuda a superarlo.

El narrador en primera persona es Juan Ranz, hijo de Juan Ranz padre, y para no confundir al uno con el otro al padre solo se le llama Ranz.

La historia que cuenta Juan se mueve entre el pasado y el presente, pero no de forma cronológica. Su vida presente se podría decir que transcurre como otra cualquiera, pero su trasiego mental, salido en cualquier momento de cualquier día, despiertan en él recuerdos pasados: la curiosidad, la incertidumbre y las preguntas sin respuesta que irán encadenando y sacando a la luz ese pasado oscuro.

La vida de Juan gira en torno al matrimonio, y por la forma en que lo plantea, en como reflexiona sobre el cambio que va a tener su vida, da una impresión resignada porque no se expresan los sentimientos que se esperan en unos recién casados. Y la explicación está en la incomodidad, que no sé si llamarlo inseguridad, de la quemazón que se produce en el interior de Juan sobre lo que implica el matrimonio.

Desde el principio se percibe la inquietud progresiva que se produce en Juan. A medida que recuerda el pasado, sus reflexiones, interpretadas desde su presente como hombre casado, van cobrando sentido y da la casualidad de que esos secretos se acercan a su padre.

Muchas preguntas me he hecho mientras leía esta novela para atar cabos, pero todas quedaban siempre en las mismas suposiciones pues nada está claro hasta el final.

Ese análisis que se hace Juan acerca del matrimonio, cuando ya pasa la treintena, me pareció algo absurdo teniendo en cuente que si ha esperado es para tener las cosas más claras. Pero los tiros no van por ahí, aunque es el factor desencadenante que lleva a dar con el sentido de la novela.

Al mismo tiempo, son igual de importantes los recuerdos de infancia y juventud que van desgranando la figura de su padre y esos secretos familiares que guarda la novela. La figura de Ranz y los secretos irán saliendo a través de sus intuiciones, frases que recuerda, lo que no se dice, reacciones extrañas, casualidades, y escenas a las que se le encuentra sentido más tarde.

Es posible que Juan creciera en un ambiente marcado por algo no resuelto, pero del que no ha sido consciente hasta hacerse adulto, hasta que un acontecimiento como el hecho de contraer matrimonio le ha llevado a hacerse preguntas.

Por eso intuye; por eso es mejor no saber; por eso lo que no se dice no existe. Son frases que Juan se dice a si mismo a lo largo de la novela que desembocan en el pasado que desconoce.

Se puede tener miedo a conocer lo desconocido, a lo que nunca se ha contado, y eso asusta, por eso Juan no quiere saber, pero la final decide escuchar. En el caso de Ranz, que nunca ha contado su secreto, termina por contar lo sucedido y a partir de ese momento «se hace viejo».

Este matiz me ha llamado la atención. Es una observación que hace Juan hacia su padre: cada vez que lo ve piensa que no ha envejecido. Sin embargo, después de tener la confesión de su padre, Ranz parece haber envejecido a los ojos de su hijo. Es una forma sutil de sugerir que Ranz se ha desprendido al fin del peso que llevaba décadas soportando.

Luego está Juan y lo que ha provocado en él: el sentido de la culpa ya ha sido transmitido y conocer el secreto puede cambiarle en ciertos aspectos. De ahí preguntarnos si queremos mantener el corazón blanco o mancharlo y si siempre tenemos opción de elegir.

La narrativa de Marías, durante muchos capítulos, me ha llevado a reflexionar, y sin darme cuenta yo solita me lo hacía complicado, pero cuando las piezas empiezan a encajar he comprendido que el significado de la historia está en lo humano y cotidiano. Lo inquietante es precisamente que detrás de toda esa complejidad esas situaciones son posibles en la vida real.

Un Corazón tan blanco es el que no sabe nada, que no conoce el secreto. Es un corazón blanco, no en el sentido puro, ni inocente, sino en el sentido de que no conoce.

No se trata de aprender: Ranz no siente arrepentimiento por lo que hizo; creo es otra muerte la que le duele más, la que tenía el corazón blanco porque no sabía nada, no conocía el secreto y él se lo contó.

 «¿Y ahora qué?» Es una pregunta sin respuesta que surge al principio de la novela. Creo que también sería interesante hacerla al final porque es donde se puede encontrar algo parecido a una respuesta. Como el final de la novela, esta pregunta deja al lector en la ambigüedad: Ranz confiesa su secreto y esto es irreversible. Lo que estaba callado ya existe.

¿Cambia esto las cosas en los personajes que saben del secreto?

¿Sus vidas van a seguir siendo las mismas?

¿Qué queda después de conocer la verdad?

El mensaje de la novela es si esas verdades que se cuentan, además de revivirlas, cambian ciertos aspectos en las vidas de las personas, si terminan por transformar sus conciencias.

Me ha gustado la reflexión final de Juan: «Poco importa, todo es pasado y no ha sucedido y además no se sabe. Lo que oí aquella noche de los labios de Ranz no me pareció venial ni me pareció ingenuo ni me provocó sonrisas, pero si me pareció pasado. Todo lo es, hasta lo que está ocurriendo»

Al final, Juan parece afectado por lo que ya sabe y, al mismo tiempo, es consciente de que hay cosas que no se pueden cambiar. Cabe suponer que dejar este conocimiento de la verdad en el pasado es una forma de aceptar lo ocurrido para seguir viviendo, pero sin el corazón tan blanco.

Por último, si después de terminada la novela, se relee la frase citada de Macbeth, la palabra «avergüenzo» parece oponerse al significado que Marías le da al corazón tan blanco. Lady Macbeth desprecia ese corazón tan blanco; Marías nos lleva a preguntarnos si perderlo no es una tragedia, como de hecho ocurre. Lo dejo como reflexión final.

 

CITAS:

—La verdad nunca resplandece, como dice la fórmula, porque la única verdad es la que no se conoce ni se transmite, la que no se traduce a palabras ni a imágenes, la encubierta y no averiguada, …

—Pude callar y callar para siempre, pero uno cree que quiere más porque cuenta secretos, contar parece tantas veces un obsequio, el mayor obsequio que puede hacerse, la mayor lealtad, la mayor prueba de amor y entrega.

—Mancharse las manos con la sangre del muerto es un juego, un fingimiento, un falso maridaje suyo con el que mata, porque no se puede matar dos veces, y ya está hecho el hecho.

LAS AMISTADES PELIGROSAS

 

AUTOR: Pierre Ambroise Choderlos de Laclos

EDITORIAL: Penguin Clásicos

PUBLICACIÓN: 18/05/2023

Las amistades peligrosas, es una novela epistolar escrita con las numerosas cartas que diferentes personajes se envían entre sí. En ausencia de un narrador, las plumas de estos aristocráticos personajes pueden hacer creer que fueron ellos quienes las escribieron y se las enviaron.

Las cartas están organizadas de forma lineal y progresiva y los acontecimientos que se van narrando avanzan en el tiempo; cada carta responde a otra para comentar los hechos recientes y así evoluciona la historia. Desde el principio, el lector puede tener conciencia del plan que se crea, cómo se desarrolla este, y las posibles consecuencias que traerá después.

Ilustración de la carta X de Las amistades peligrosas, 1796. «O mon ami, lui dis-je… Pardonne-moi mes torts, je veux les expier à force d’amour»

Laclos, de profesión militar, empezó a escribir estas cartas, conocidas tambien con el título de Las relaciones peligrosas en 1778, y fueron publicadas en 1782. Un año más tarde fue ascendido a capitán de artillería, y no sintiéndose muy integrado en los menesteres que esta profesión exige, solicitó una baja de seis meses durante la cual, en París, puso en práctica su vocación literaria. 

En ellas retrata una aristocracia francesa centrada en las relaciones sociales; una élite que vivía buena parte de su tiempo en salones donde compartían tertulias, cotilleos, pero, sobre todo, ser visto, reconocido y mantener una imagen.

Todo se teje en un lenguaje muy cuidado y formal: es elegante, elaborado y de vocabulario extenso y poético. Esta entretenida forma de comunicarse, muy habitual en la época, era tan frecuente que da la impresión de que la comunicación era en tiempo real.

Hay que destacar en estas cartas los diferentes estilos de lenguaje que utiliza Laclos para expresar, seducir, manipular, convencer, justificarse, insinuarse, ironizar y ser hipócritas, buscando de forma sutil y casi nunca directa producir un efecto. 

Ilustración de la carta XLIV de Liaisons Dangereuses, 1796.

Muy pronto una se percata de que en este círculo de apariencias y engaños la marquesa y el vizconde, amantes, amigos y rivales, hacen homenaje al título de la novela. Se consideran como iguales y se nota que el juego de la manipulación les causa placer y alimenta sus orgullos.

Con las maquinaciones de ella se inicia una trama intencionada: la de vengarse de cierto hombre que le ha hecho sentirse despreciada, y decide herirle en su honor ahora que va a casarse con otra mujer más joven.

La marquesa es quien dirige la empresa de corromper a la joven antes del matrimonio, y para ello le propone al vizconde que le ayude. Este, se opone en principio porque anda atareado en otra conquista en la que ha de poner más empeño; considera que la proposición de la marquesa para seducir a una jovencita es demasiado fácil y la victoria obtenida no sería tan interesante.

Según esto, la novela empieza con dos objetivos que se llevan a cabo por separado: el de la marquesa y el del vizconde. Sin embargo, en la relación personal que mantienen a través de sus cartas es inevitable que uno invada el juego del otro quedando ambas tramas entrelazadas.

Cuando el plan de la marquesa parece solucionarse; cuando cree haber alcanzado su objetivo, y segura de que la inocencia de la joven ya no es tal y su futuro matrimonio se verá alterado, esta se relaja y se centra más en el asunto del vizconde que parece no ir según lo previsto. Y aquí es donde hay que prestar atención.

Ilustración de la carta XCVI de Liaisons Dangereuses, 1796.

Lo que detecta la marquesa son señales que empiezan a inquietarla: ambos, que siempre se habían considerado por encima de las emociones, el vizconde parece estar cayendo en su propia trampa y eso la altera porque ya no lo considera su igual. La consecuencia de esto son los celos que ella empieza a sentir, luego entonces la marquesa también podría estar sucumbiendo.

Es algo que acontece de forma sutil, por lo que aconsejo prestar atención a lo que se dicen entre ellos en sus misivas, ya que lenguaje tan elaborado puede llevar a la dispersión del lector.

Los personajes implicados de forma involuntaria, por supuesto desconocedores de lo que se cuece, en realidad son meros objetos puestos a disposición del vizconde y la marquesa para llevar a cabo el plan. 

Aunque estas cartas lleven a centrarnos en las pasiones que acontecen en los personajes, es inevitable preguntarse si la marquesa y el vizconde saldrán airosos de ese plan que iniciaron.  

Porque cuando se intenta elaborar una estrategia que depende solo de una persona, esta lo mantiene todo bajo su control y, si, por el contrario, se decide compartirlo con alguien más, como es el caso del que hablo, es posible que las cosas se tuerzan.

Ambos utilizan la confianza y la intimidad de sus víctimas, con la diferencia de que el vizconde actúa emocionalmente y la marquesa, controlando sus emociones, es más fría y calculadora.

Ilustración de la carta LXXI de Liaisons Dangereuses, 1796.

La amistad era parte del juego y al comprender sus víctimas que quienes fingían ayudarles habían estado manipulando y ocupando secretamente sus lugares, el ritmo, al final de la novela abandona su lentitud deliberada y se acelera de forma vertiginosa.

En cuanto a sus víctimas están los que quedan destruidos porque las apariencias dejan de serlo y el honor se resiente; otros regresan voluntariamente al origen tras lo aprendido una vez perdida la inocencia, y otros pierden definitivamente la ingenuidad sentimental con el desengaño amoroso.

Lo cierto es que tanto la marquesa como el vizconde, seguros de su invulnerabilidad y convencidos de que sus pasiones estaban dominadas, no hay que descartar que puedan terminar atrapados en ellas. ¿Han recibido lo que han cultivado?

El desenlace termina en un drama para algunos personajes, y para los que la situación fue más llevadera no es necesario extenderlo más. Esta novela epistolar de Choderlos de Laclos puede interpretarse como una lección moral sobre la amistad traicionada en la que nadie sale ganando. 

 

CITAS:

—No es raro ver que la melancolía y el fastidio del mundo sean síntomas precursores de alguna grave enfermedad; los males del cuerpo, así como los del alma, hacen desear la soledad; y a menudo echamos en cara el mal humor a aquél de cuyos males deberíamos tener lástima.

—Si he de dar crédito a lo que tantas veces me han dicho, los hombres no aman tanto a sus mujeres cuando las han querido antes de serlo.

—¡A donde nos arrastra el orgullo! El sabio tiene razón, cuando dice que es el enemigo de la felicidad. ¿Dónde estaría usted ahora, si yo no hubiera querido más que burlarme?

RAYUELA

 

AUTOR: Julio Cortázar

PUBLICACIÓN: 07/06/2013

EDITORIAL: Alfaguara

Leer a Cortázar en Rayuela ha sido una experiencia nueva. Su prosa es poética: unas veces elegante; en ocasiones vulgar; otras irónica, inteligente, incluso tierna.

No es una novela en la que haya que preguntarse qué pasa después. Mi impresión ha sido la de una lectura que hay que atravesar y en ese recorrido hay que pensar, comprender, y no esperar un final que se resuelve.

Me sentí incómoda en el comienzo, advertida ya por todas las opiniones y críticas que había leído antes de meterme en este “fregao” de novela. Pensé en conformarme con la lectura lineal, hasta el capítulo 56, que es donde termina la obra. Pero al término de esta sentí ganas de seguir leyendo. Es cierto que se puede prescindir de «Los Prescindibles» pero la incertidumbre me ha llevado a continuar.

La lectura lineal presenta dos lados:

El lado de allá ocurre en París, donde las discusiones existenciales entre Horacio Oliveira y sus amigos del club de La Serpiente son elevadas a lo máximo, al mismo tiempo que se apoderaba de mí una sensación de lejanía. Cuando esto ocurre, una puede volver a releer el párrafo no comprendido, y lo hice. Entender ese clima existencial que Oliveira y sus amigos plantean es clave en esta obra, pero me ha costado enfrentarme a sus búsquedas, dudas y contradicciones.

Horacio es un personaje complicado y pasivo, que no se conforma con el sentido convencional de la vida. Aunque las conversaciones con sus amigos parecen un mero intercambio de ideas, él siempre está buscando una clave para su existencia. Para ellos la vida intelectual es una parte más de la vida, para Oliveira es su forma de vida.

La voz narrativa me ha hecho pensar en un narrador omnisciente llevándome a confusión. Me ha resultado difícil de clasificar y, por tanto, me quedo con la idea de una voz que acompaña ayudando a que la novela se expanda. Son los personajes, en sus diálogos, los que dan profundidad a la obra llevándola a una dimensión que, a mí, como lectora, me ha costado llegar a veces.

No hay personajes extraños en El lado de allá, y sí poco convencionales. Horacio y sus amigos del club, llenan el ambiente de melancolía con su vida bohemia, con sus críticas inconformistas ante la idea de encontrar algo más auténtico que la vida ordinaria.

El escenario que dibuja Cortázar es gris, sucio y desordenado, pero a ellos no parece importarles. Es Horacio, sobre todo, quien no tiene una vida plena; busca algo, no sabe qué, ni cómo encontrarlo. Las vidas de todos ellos me han transmitido incomodidad, desasosiego, más irritación que pena por vivir en una continua deliberación mental. Es algo agotador que termina por saturarte, porque sientes que la vida de Horacio está paralizada.

La Maga es un personaje aislado, pero imprescindible para Horacio. Tiene los pies en la tierra; actúa de forma serena, pero no es ingenua; es su forma de ser inteligente, y aunque su pasado está marcado por la tragedia parece no hacerle sombra. Ella tiene esa vida que Horacio no puede alcanzar: lo imprevisible, lo emocional, enfrentarse a sus límites y por eso lo descoloca. Ninguna mujer ha sido capaz de ponerlo en el lugar que ella, por eso, cuando la pierde, no puede evitar compararla con Pola o confundirla con Talita. La Maga siempre estará en su existencia porque no cierra «eso» que no ha entendido y no puede empezar de nuevo.

En El lado de acá, Horacio regresa a Argentina, al reencuentro de sus amigos. París ha quedado atrás, pero solo geográficamente. En este lado, el clima y los comportamientos de los protagonistas son diferentes. Hay un cambio evidente en el escenario y los personajes; los diálogos cobran entusiasmo, energía y dinamismo.

Los amigos de acá viven de forma más directa y menos intelectual. Traveler y Talita tienen una relación y no convierten la vida en un problema. Pero Horacio es una persona que sufre y no sabe ni deja vivir a los demás. Crea otro problema cuando ve a Traveler como alguien que él nunca será, cuando ve en Talita a la Maga.

Horacio cambia la vida bohemia por otra más cotidiana; las discusiones intelectuales no surgen con la misma frecuencia y tiene más contacto con la realidad.  Quizá porque parece estar más en la tierra, empieza a tener ciertas fisuras sobre sí mismo.

Y estas quedan al descubierto cuando afloran en él la debilidad, la inseguridad y el miedo; es alguien dominado por la obsesión hacia una búsqueda sin sentido que no llega a nada, pero sí acaba mostrándose.

Termino esta primera lectura creyendo que he conseguido introducirme en la mente de Oliveira y compruebo que me deja más incertidumbre: ¿Cuál es su decisión final?... No hay decisión final; no sé qué ocurre en realidad.

Llegado a este punto decido leer «Los prescindibles». Contemplo la idea de tomarme un descanso y retomar la lectura pasados unos días según el tablero de dirección, pero he pensado que las ideas están frescas ahora y es el momento de seguir.

Estos capítulos son un complemento que dan consistencia a la obra. Son más existenciales, más enrevesados, pero en ellos hay más de su esencia:

En Los prescindibles, siguiendo el tablero de dirección, percibo que la idea de verdad que ya conozco y que Oliveira detesta está ahí, desde el principio. Él no la ve como algo definitivo, por eso comienzan sus dudas. Estas son fugaces intuiciones que parecen dar sentido a su búsqueda; por segundos cree sentirse en el cielo, en el cuadrado de arriba de la rayuela que en Argentina llaman «cielo», pero enseguida tiende a analizarlas y se hacen efímeras.

Cortázar menciona el futuro de Orwell en «1984» y de Huxley en «Un mundo feliz», dos mundos que no entran en los patrones de Oliveira porque en ellos hay control, vigilancia y pérdida de la libertad; comodidad y ausencia de conflicto. Aunque ambos mundos difieren él no los acepta. Atravesarlos sería encontrar el mundo que busca, pero Cortázar no parece dispuesto a que esto ocurra.

Afinando en los detalles, la Maga y Oliveira se comparan entre ellos con dos artistas: él con Piet Mondrian, un pintor, y ella con Vieira de Silva, una pintora. Busqué sus obras y comprobé que son dos artistas con estilos abstractos pero diferentes. Esta simple comparación me ha hecho pensar que tienen algo en común: ambos buscan algo que va más allá de lo convencional con la diferencia de que Oliveira necesita entenderlo antes de alcanzarlo y la Maga no, lo vive.

La metaliteratura está presente en Rayuela a través de Morelli, un escritor que forma parte de la novela. Este, en sus notas, a las que llama Morellianas, plantea la forma en que está estructurada la novela y cómo el lector tiene que enfrentarse a ella.

Rayuela es una novela incómoda que rompe las normas convencionales.  La actitud de Horacio ante la vida y su búsqueda existencial remueve e inquieta, y deja al lector con la incertidumbre de conocer su decisión final. Me ha quedado claro que su búsqueda es en vano, que lo más lejos que llega es a tener dudas; esto ya es bastante.

Esta novela, con nombre de juego, es el juego existencial de Oliveira cuyo objetivo es llegar al «cielo», último cuadro de la rayuela. Pero Cortázar no resuelve nada y deja al lector planteándose cual ha sido la decisión final de Oliveira. De manera que la novela no concluye con un destino, sino con la certidumbre de que no sabemos qué será de Oliveira, pero sí quién es él. Y quizá eso sea más definitivo que cualquier final.

CITAS:

—No estábamos enamorados, hacíamos el amor con un virtuosismo desapegado y crítico, pero después caíamos en silencios terribles y la espuma de los vasos de cerveza se iba poniendo como estopa, se entibiaba y contraía mientras nos mirábamos y sentíamos que eso era el tiempo.

—Pero esa unidad, la suma de los actos que define la vida misma se acabara como un mate lavado, es decir que solo los demás, los biógrafos, verían la unidad, y eso realmente no tenía la menor importancia.

—La joroba está en que la naturalidad y la realidad se vuelven no se sabe por qué enemigos, hay una hora en que lo natural suena espantosamente a falso, en que la realidad de los veinte años se codea con la realidad de los cuarenta y en cada codo hay una gillete tajándonos el saco.

—La verdadera otredad hecha de delicados contactos, de maravillosos ajustes con el mundo, no podía cumplirse desde un solo término, a la mano tendida debía responder otra mano desde el afuera, desde el otro.

NOCHES BLANCAS

 

AUTOR: Fiódor Dostoievski

EDITORIAL: Nórdica

PUBLICACIÓN: 2026

Noches Blancas es una obra impregnada de soledad, tristeza y búsqueda que habitan en el mundo interior del soñador, de quien no se revela su nombre. La novela trata la historia de un joven solitario que parece estar entre dos mundos, el suyo interno y la realidad.

El título, al que siempre me gusta encontrar una relación, tiene que ver con las noches del solsticio de verano en San Petersburgo. Se les llama blancas porque el sol no llega a ponerse del todo, y la ciudad permanece en un atardecer que se prolonga hasta el amanecer. Este fenómeno tiene lugar entre finales de mayo y mediados de julio, época en la que se realizan numerosas actividades culturales invitando el tiempo a salir y disfrutar del aire libre.

Sin embargo, el soñador, que también es el narrador, no se contagia de ese estado de ánimo que comparte el resto de la gente. Él no es como los demás, vive sumergido en un mundo que le resulta más cómodo y que contrasta con la dura realidad (la que él ve).

Vive en una dualidad constante que le hace infeliz y vivir sumido en una soledad y tristeza desmesurada. Su carácter sensible y soñador le llevan a aceptar la situación en la que vive al mismo tiempo que busca un ideal que quizá nunca llegue.

El relato del joven transmite desde el comienzo una soledad absoluta. Puede ver y tener impresiones de todo lo que observa, pero permanece al margen. Sus oídos tampoco escuchan, dando la impresión de querer vivir aislado del mundo.

Es alguien que se conoce a sí mismo, piensa mucho y siente de forma intensa, pero no vive la realidad. No se siente muy desgraciado en el sentido dramático, sino como alguien que vive en una especie de dulce melancolía. Aunque hay tristeza, su vida interior, llena de ensoñaciones, parece complacerle.

El encuentro casual con Nástenka, al escuchar su llanto, lo saca de su vida monótona. Encuentra en ella una esperanza de tener, por fin, alguien con quien compartir sentimientos, salir de sí mismo, y lo vive como un acontecimiento extraordinario. Aquí es donde ocurre la transformación y entra en el mundo real.

 Nástenka es su posibilidad de entrar en la realidad. Ella le cuenta su infortunio de amor, y en el tiempo que comparten este lo vive plenamente, cada gesto o palabra que viene de ella parece un descubrimiento, que todo nace de nuevo. En su estado de emoción de vivir la realidad deseada, construye una historia de amor que va más allá de lo abarcable. Vive entonces una felicidad auténtica porque cree posible que ella le ame también. Se siente parte de la vida.

Pero no olvidemos que ha sido necesario este encuentro para que su deseo se realice; Nástenka es lo único que tiene en la realidad.

De alguna manera su mundo interior lo traiciona porque le hace creer lo que no es y entonces viene la desilusión. La historia que había creado se rompe y todo vuelve a ser como antes, pero algo ha cambiado. En su descubrimiento encuentra algo importante que convierte su amargura en algo bonito.

Puede que en nuestras conciencias esto que le ocurre al soñador nos pueda parecer insuficiente, pero es su manera de procesar lo que ha vivido sin destruirse más si cabe. Ese pequeño refugio de felicidad no lo ha transformado en alguien distinto, pero decide quedarse con ese instante que antes no tenía y dispone de una realidad que guardar en su memoria.

Cuando comencé esta lectura me compadecí del soñador, sin embargo, al terminar, he pensado que «ese instante» es tan valioso para él que quizá ya no se siente del todo desgraciado.

Pero me ha hecho plantearme esta pregunta:

¿Dependemos entonces de los demás para ser felices o podríamos encontrarla sin necesidad del otro?

Yo creo tener una respuesta y os la dejo por si queréis responderos a vosotros mismos.

 

CITAS:

—Y pasarán más años y con ellos vendrá la lóbrega soledad, vendrá la temblorosa vejez con su bastón y, con ellos, la melancolía y el desaliento.

—Decirle que perezco en soledad para que ella no se aparte de mí, que no tengo métodos para conocer siquiera a una sola mujer, sugerirle que incluso es su obligación como mujer no rechazar una súplica tan tímida de alguien tan desgraciado como yo.

LAS CATILINARIAS

 

AUTORA: Amélie Nothomb

EDITORIAL: Circe

PUBLICACIÓN: 2026

Las Catilinarias, es una novela breve de Amélie Nothomb que narra un episodio de la vida de Émile y Juliette, un matrimonio de jubilados que compran una casa en el campo y realizar el sueño de vivir, por fin, con paz y tranquilidad. 

En familia y entre amigos tenemos por norma contestar a quien dice: «qué a gustico estoy», con un «no lo digas en voz alta; que no te escuche nadie», por eso de que puede traer mal presagio.

Eso parece ocurrirle a este matrimonio de sesenta y cinco años: son tan felices que lo manifiestan a diario. Sin embargo, esa sensación de felicidad se ve perturbada por la llegada de su único vecino cercano, que comienza a visitarlos cada tarde a la misma hora.

Lo que en principio parece una visita cordial, que se prolonga dos horas, Émile y Juliette, quedan desconcertados por el comportamiento de su vecino. El siguiente día ocurre lo mismo, y al tercero deciden ausentarse a la hora habitual, pero al regresar descubren que el vecino ha vuelto de nuevo. La situación se repite hasta que las circunstancias caminan hacia un final que no imaginamos. ¿O sí?

La forma en que el vecino invade la intimidad del matrimonio les provoca una situación absurda, grotesca y cada vez más inquietante. El humor negro que recorre la novela hace sonreír, pero con cierta incomodidad, y poco a poco se percibe que hay algo más profundo.

La autora abre la historia con una frase que recomiendo no olvidar porque cobra sentido al final de la novela: «No sabemos nada de nosotros mismos. Creemos que nos habituamos a ser nosotros mismos, pero ocurre lo contrario. Cuantos más años transcurren, menos sabemos quién es esa persona en cuyo nombre hablamos y actuamos».

Nothomb construye una historia «singular» que, a priori, parece sencilla por lo que cuenta, pero al mismo tiempo se aparta de lo común por cómo lo cuenta y el efecto que produce en el matrimonio y en el lector.

¿En qué me baso para decir que es singular?:

En que la autora parte de una situación cotidiana, el vecino que los visita, que se acaba convirtiendo en insoportable.

Estas visitas inoportunas se van transformando en un acontecimiento bastante molesto en la pareja que los acaba descolocando. Se mezclan diferentes tonos: a veces te hacen reír, otras generan incomodidad y otras lleva juzgar lo que está pasando. El vecino pesado se convierte además en un intruso; su comportamiento es exigente e irreal que pone a prueba la capacidad del matrimonio  para establecer límites.

El final lo veo irreal, pero tiene su intención. La transformación de Émile es extrema. Ya no es el hombre civilizado, y se convierte en alguien que ha cruzado una línea y lo reconoce. Este desenlace revela aspectos que en la vida cotidiana están ocultos, y es probable que nunca aflorasen si no es en una situación límite o extrema.

 

CITAS:

—No sabemos nada de nosotros mismos. Creemos que nos habituamos a ser nosotros mismos, pero ocurre lo contrario. Cuantos más años transcurren, menos sabemos quién es esa persona en cuyo nombre hablamos y actuamos.

—Por primera vez en mi vida, comprendí que era viejo. Y la causa de mi descubrimiento fue la mirada de una muchacha afectuosa: la revelación era aún más terrible.

LA MUERTE EN VENECIA

 

AUTOR: Thomas Mann

EDITORIAL: Círculo de Lectores

PUBLICACIÓN: 1971

Es una historia breve, en apariencia sencilla si se lee de forma superficial, centrándose únicamente en lo que le ocurre al personaje. Sin embargo, en La muerte en Venecia, Mann construye una novela que invita a desnudarla, a que el lector mire en el interior del personaje y observe su evolución de principio a fin.

Antes de entrar en la historia y conocer al personaje en cuestión, el lector tiene el placer de leer el magnífico prólogo, a modo de ensayo, de Vargas Llosa, en la edición de Biblioteca de Plata publicada por Círculo de Lectores. En él se anticipa cómo la vida de un hombre que siempre ha vivido en la rectitud puede llegar a degradarse por culpa de una obsesión.

Gustav Aschenbach es un escritor consagrado, prestigioso y admirado públicamente. Sin embargo, en su presentación, mi percepción ha sido la de alguien con cierta rigidez y disciplina, con limitaciones a la hora de crear una obra y una inspiración que no surge con naturalidad.

Vive en Munich y, paseando un día cerca de un cementerio, sus ojos tropiezan con la figura de un extraño. Este breve encuentro lo deja pensativo de regreso a casa, al tiempo que le despierta el deseo de viajar. Ese instante termina ahí; Mann no lo desarrolla; parece algo simbólico; como una premonición de lo que va a suceder después.

Aunque es en Venecia donde todo parece comenzar y a derrumbarse, Aschenbach ya trae desde Munich una fisura apenas perceptible, pero no caí en ello hasta saber lo que le ocurre en Venecia. Instalado en el hotel, dispuesto a disfrutar de su estancia en esta ciudad, asistiremos al declive de un personaje que se enamora y obsesiona con un chico adolescente que intuyo muy joven.

La riqueza de esta historia está en la vida interior de Gustav. Todo lo que ocurre en su mente no llega a hacerse realidad. Solo él es testigo de las sensaciones que se le despiertan desde que conoce a Tadzio. Todo es una contemplación diaria que hace de su enamorado como figura idealizada de la juventud ante la madurez, de la inocencia ante la experiencia, y la belleza en su estado más puro haciendo alusión a figuras clásicas de la cultura griega.  

Tadzio, el chico adolescente que se aloja con su familia en el mismo hotel que Aschenbach y el objetivo de su obsesión, nunca llegará a saber nada de lo que ocurre.

Gustav es la imagen perfecta de un señor que pertenece a la alta burguesía, intelectual, respetado y reconocido como escritor. No es un personaje conflictivo en ningún sentido; nadie a su alrededor detecta nada; solo él es consciente de lo que Tadzio ha provocado en él.

¿Qué puede removerse entonces en su interior para llegar a tal degeneración? Quizá el encuentro de algo tan esencial en la vida como los sentimientos de deseo, emoción, sensibilidad, estuvieron reprimidos y olvidados e irrumpen de forma imprevista causando en Aschenbach sorpresa y una mala gestión.

Dos hechos destacan en la novela por su aparente brusquedad: la epidemia de cólera que inunda a Venecia y el final del protagonista. Ninguna es casual. La enfermedad se va insinuando no como foco de atención sino para advertir a Aschenbach a la hora de tomar la decisión de si debe continuar en Venecia.

La forma en que Mann resuelve el final de Gustav me ha parecido aún más repentina. Pero observando el deterioro progresivo en el que: evoluciona para mal, se centra en esa entrega interior, le provoca un abandono de sí mismo, y la decisión de quedarse en Venecia pese al cólera es definitiva, entonces es creíble su final.

Es una novela preciosa en la que destaco el estilo de Mann: discreto, contenido, elegante y respetuoso con el personaje por el tema que aborda y dotada con un vocabulario sibarita por el lenguaje refinado, culto y lleno de bellos matices.

CITAS:

—«Se le ve muy delicado y enfermizo, pensó Aschenbach. Es probable que no llegue a viejo» Y renunció a justificar ante sí mismo el sentimiento de satisfacción o de apaciguamiento que acompañaba esa idea.

—Nada hay más extraño ni más delicado que la relación entre personas que sólo se conocen de vista, que se encuentran y se observan cada día, a todas horas, y, no obstante, se ven obligadas, …, a fingir una indiferente extrañeza y a no intercambiar saludo ni palabra alguna.

—Pues quien está fuera de sí nada aborrece tanto como volver a sí mismo.

ELOGIO DEL AMOR: De Platón a El Principito, una mirada única a la importancia de los afectos, los vínculos y los cuidados

 

AUTOR: Rafael Narbona

EDITORIAL: Rocaeditorial

PUBLICACIÓN: abril de 2009

Rafael Narbona, reconocido por su erudición, en este nuevo ensayo titulado Elogio del amor, pone de manifiesto la importancia del amor no como una emoción pasajera, sino como una forma de conocimiento y de compromiso. 

Parte de una sólida base filosófica y utiliza muchas referencias culturales a escritores, filósofos, actores y a su etapa como profesor. En cada una de ellas el amor se muestra distinto, según las personas, el tipo de relación que tengan estas o las situaciones límite en las que se vean inmersas.

Rafael Narbona hace un elogio del amor desde el dolor de la pérdida, el desgaste, la enfermedad, la renuncia, la fidelidad cuando ya no es fácil, desde todos esos miedos que nos inundan cuando llegan las desgracias.

Se trata de si estamos preparados para no fallar en el amor cuando de verdad importa; de no abandonar cuando todo se complica; de seguir estando, incluso cuando el amor ya no tiene respuesta inmediata. Él lo establece así, pero evidentemente son decisiones muy personales.

No tiene que ser fácil empezar desde muy niño a saborear los infortunios que trae la vida dejándote el alma destruida. Esto ocurre en «Maestros de la felicidad», donde resalta la importancia del conocimiento y su capacidad para transformar el presente cuando solo hay dolor; de buscar esa felicidad que tanto necesitó. Y ahora que la vida lo sigue poniendo a prueba, siente el amor desde dentro, y lo transmite en Elogio del amor reflexionando sobre la importancia de tener amor y poder darlo.

La principal inspiración nace de su experiencia personal con la enfermedad de su mujer, Piedad, como punto de partida y ejemplo principal para demostrar que el amor es un sentimiento que puede ayudar en estas situaciones.

No se dilata con su propia experiencia, más bien esta atraviesa la narración para hacer de ella una reflexión sobre como sostener el amor, incluso cuando desaparece lo idealizado y se vuelve vulnerable.

Cuando  Piedad y él entraron «dentro del fuselaje», así se refiere en el libro a una forma de estar dentro, encerrados, listos para realizar un viaje sin control que no saben cómo terminará, es cuando el amor se tambalea y puede derrumbarse.

Hay sinceridad emocional y una gran dosis de sencillez en lo que cuenta al mismo tiempo que transmite confianza. Estoy segura de que es así como lo siente. Es también un trabajo de reflexión, por parte del autor, para lograr el equilibrio entre lo que se siente y como aplicarlo en la vida real.

El autor plantea si en la sociedad actual estamos preparados para no fallar, para permanecer cuando todo invita a retirarse. El amor requiere un compromiso profundo hacia la pareja, los amigos, los hijos, …, que podría extenderse incluso más allá de las relaciones humanas.

Cuando en el caso de Rafael y Piedad, la enfermedad da la cara, es cuando también hay que darla en el amor. Mientras se está luchando todo se concentra en el esfuerzo de ganar esa guerra y si hay una victoria nos creemos que todo se ha solucionado.  

En realidad, solo hemos ganado la primera batalla. En la segunda entra en acción el amor. La diabólica enfermedad ha actuado también en la forma de ver, oír y sentir la vida, y es posible que llegue a destrozarlo todo.

Si sentimos eso, si se cae en la cuenta de que hay que empezar a luchar de nuevo, es el momento de preguntarse si estamos preparados para permanecer o rendirnos.

Concluyo con la reflexión de que el amor no debería medirse en los momentos felices sino cuando la situación se vuelve difícil, y preguntarnos si estamos preparados para sostener ese tipo de amor, o si se trata más bien de una aspiración ética que pocos logran alcanzar.

 

CITAS:

—El amor no es un simple efecto, sino la fuerza que nos arraiga a la vida y el cauce que nos comunica con todo lo existente.

—El amor está en el interior de cada ser humano, pero a veces se marchita o, simplemente, se esconde como un niño tímido. En estos casos todos morimos un poco, pues necesitamos el amor para vivir.

—Estamos acercándonos a la vejez, un tramo de la vida que exige una laboriosa adaptación, y nosotros no hemos logrado aclimatarnos del todo.

LOS MILAGROS DE PRATO

AUTORAS: Laurie Lico Albanese y Laura A. Morowitz

EDITORIAL: EDICIONES B, S.A

PUBLICACIÓN: abril de 2009

Los Milagros de Prato es una novela de ficción histórica que tiene lugar en el siglo XV, hacia los años 1439-1450. Es el trabajo de la escritora y periodista estadounidense Laurie Lico Albanese y en sus obras destacan figuras femeninas de la historia y del arte a lo largo del tiempo. Ha colaborado con ella en este libro la también estadounidense Laura A. Morowitz, como historiadora del arte y especializada en el arte europeo.

No fue un libro buscado ni recomendado. Fue su portada la que llamó mi atención y tras comprobar de qué trataba decidí leerlo. Esta representa una obra del pintor italiano Fra Filippo Lippi: «La Virgen con el Niño y dos Ángeles» expuesta en la Galeria de Los Uffizi, en Florencia.

El porqué de esta obra en la portada del libro es debido a la creencia de que el retrato de la Virgen podría ser el de Lucrecia Buti, una novicia que ingresó en el convento de Santa Margarita, en Prato, Italia. 

La novela se centra en el episodio más conocido de la vida de Fra Filippo Lippi, la etapa del pintor que más se presta a ser novelada: su relación con una novicia que ingresa en el convento de Santa Margarita.

Es una novela atractiva desde el gusto por la historia del arte y el Renacimiento italiano, y la  curiosidad de conocer más de cerca la vida ambos protagonistas: Fra Filippo Lippi y Lucrecia Buti, dos personajes reales que el destino quiso que se encontraran.

Lippi quedó huérfano a los ocho años y fue acogido en el convento carmelita de Florencia, el Convento del Carmine. No ingresó por vocación, sino que las circunstancias lo llevaron allí. La precocidad de su ingreso en el convento no significó para él llevar una vida estrictamente monástica, aunque llegó a convertirse en monje, allí también despertó su vocación artística. En este ambiente, fue formado en la disciplina del arte para convertirse en el creador de las obras que hoy le conocemos.

No estaba siempre recluido en el convento. Disponía de un taller que también usaba como alojamiento y le permitía vivir entre lo espiritual y lo mundano. Trabajó encargos de tema religioso, sobre todo procedentes de familias tan importantes y grandes mecenas del arte como los Medici.

La época en que se desarrolla la historia se ha relacionado con el entorno de los Medici, grandes mecenas del pintor, y a Cosme de Medici el que pudo encargar la conocida obra de «La Virgen con el Niño y dos ángeles». Sin embargo, la autora se toma la libertad literaria de atribuir el encargo a los Valenti, poniendo como excusa el nacimiento de un nuevo hijo.

Era habitual en esta época encargar imágenes de la Madonna con el Niño durante el embarazo o tras el nacimiento, y estaban muy vinculadas al mundo de la maternidad y la infancia. A veces era un mero regalo, pero sobre todo se solicitaban como una protección espiritual de la Virgen hacia las madres.

Fue precisamente mientras Fra Filippo pintaba este cuadro cuando conoció a Lucrecia. Fue en el convento de Santa Margarita, donde el monje estaba asignado a decir misa y dar confesión a las religiosas, y de donde tomaba algunos de los ingredientes que necesitaba para preparar las pinturas de sus obras.

Lucrecia y su hermana Spinetta llegaron al convento de Santa Margarita al morir su padre con los destinos ya decididos: convertirse en hermanas de la orden. Un destino que Lucrecia rechazó desde el principio ya que significaba pasar de la vida que anhelaba, despojada de todo lo que le pertenecía, a la clausura del convento.

Históricamente, Lippi se enamoró de Lucrezia Buti en el convento siendo esta novicia. Con una belleza deslumbrante y virginal, el pintor supo ver en su rostro la que sería la imagen de sus madonas. Solicitó el monje a la priora del convento el permiso para que Lucrecia pudiera salir y acudir a su taller para hacer de modelo.

De estos encuentros artísticos, vigilados según las normas religiosas, surgirá una inevitable atracción física entre ambos pese a sus luchas internas como condición de religiosos.

En este contexto histórico la autora pone el foco de atención en las relaciones de poder dentro de la Iglesia. Filippo Lippi y Lucrezia Buti viven en un mundo en el que la iglesia regula la vida cotidiana. Él tambien lo sufre, pero en especial Lucrecia, como todas las mujeres de la época que apenas disponían de autonomía. El abuso sexual, emocional o de autoridad queda plasmado en la novela, si no en forma de reivindicación, si para que el lector perciba esa incomodidad.

La parte más floja está en las pocas ocasiones en que los personajes transmiten sentimientos que puedan conmover, pese a los numerosos infortunios por los que pasaron. Esto puede ser debido a que la autora lo escribió más en calidad de periodista y, aunque no desmerece la novela, sí creo que podría haber profundizado más en los personajes y la historia en general.

Es, en conclusión, una novela interesante desde el punto de vista artístico y de investigación por parte de la autora y se nota la colaboración de Laura A. Morowitz especializada en arte.

En cualquier caso, es una lectura que recomiendo y de la que siempre se puede extraer una mirada más rica sobre el arte y su contexto.

La Virgen con el Niño y dos Ángeles

La dulzura y elegancia con la que está representada, los detalles de sus prendas de vestir y el peinado será un modelo de elegancia para pintores como Botticelli. La Virgen María está representada de perfil, rezando delante del niño sostenido por dos ángeles.

Obra expuesta en la Galería de los Ufizzi, Florencia, Italia.

CITAS:

—Si el sufrimiento nos acerca a Dios, ¿cómo es posible que la belleza tenga el mismo efecto? No hay duda de que algo procede de Satanás, hermana Pureza. ¿Es el sufrimiento o la belleza?

—Cuando era joven, la pintura era todo lo que tenía, dijo con voz queda. Era todo lo que tenía, así que se convirtió en lo más importante.

—En el monasterio me salvó la desesperación. En la cárcel, cuando temía por mi vida, imaginaba todos los cuadros que crearía a mayor gloria del Señor, si Él me dejaba vivir.

—Durante años he pintado como si rezara; he rezado como si pintara. Con el tiempo dejó de haber diferencia entre lo uno y lo otro.